Gasediel

Plongez dans un univers artistique où l’innocence enfantine dialogue avec la rugosité de l’environnement urbain. Ces œuvres percutantes mettent en scène des portraits de jeunes filles dans un décor de murs déchirés, saturés de graffitis et d’affiches effacées par le temps. Le contraste saisissant entre la candeur des personnages et le chaos des arrière-plans invite à une réflexion profonde sur notre époque.

Ce travail réalisé entre 2023 et 2024 s’inscrit dans une démarche d’art urbain où se mêlent transfert, peinture et textures, créant des œuvres qui interrogent l’identité, la société et la mémoire des lieux. À travers des compositions fortes et évocatrices, je joue sur la transparence, le contraste et l’insertion du graffiti pour établir un dialogue entre l’individu et son environnement.

Les figures encapuchonnées, sans visage, incarnent l’anonymat dans l’espace urbain. Elles évoquent à la fois la marginalité, la solidarité et la perte d’identité dans un monde saturé d’images. Grâce à des superpositions et des effets de transparence, ces silhouettes semblent se fondre dans les murs, symbolisant la fine frontière entre présence et effacement.

Selon une étude du MET*, nous passons 17 secondes devant une œuvre d'art. Quel temps allez-vous accorder à chacun des 17 portraits de Reviravolta, la dernière série de l'artiste française Gasediel (1969 - ) ?  

Quelle va être votre perception face à ces visages qui vous interrogent pour certains, vous scrutent par un regard frontal pour d'autres, vous interpellent de la main, sur un fond noir ou une juxtaposition d'art urbain en trompe l'œil ?

Chaque visage est anonyme mais toujours issu des univers publicitaires ou de la mode. Glamour qui vous regarde. Vous, regardant le glamour. 

L'œil est le seul organe à savoir qu'il est regardé. Or, ces personnes "exhibées" savent qu'elles seront regardées mais... quand ? Jamais leur regard ne croisera le vôtre, ces portraits fonctionnent comme des étendards dans l'espace public. Tout comme vous ne croisez pas le regard des Grafiteiros, vous ne voyez que des fragments de leur art.

Milan Kundera souligne que “ la solitude est une douce absence de regard ”. Pour certains, cette solitude n'aurait-elle pas un goût amer ? Surtout à l'heure des réseaux sociaux, des selfies, des égoportraits comme les nomment les Canadiens.

Traditionnellement, le portrait donne à voir l'intériorité de l'être. Les portraits de Gasediel soulèvent une dimension spéculaire, révèlent l'effet miroir. Ici, regardez-vous véritablement chaque visage ou opérez-vous une identification ? Reviravolta vous invite à avoir un regard soutenu et non pas une projection de ce que vous voudriez voir, ou être, Cicéron nous alertait déjà : "car si le visage est le miroir de l'âme, les yeux en sont les interprètes". 

Quel a été, par exemple, votre temps de (re)présentation avant de venir voir l'exposition Reviravolta ? Êtes-vous venus "véritablement vous-même" ou avez-vous revêtu un masque (notion de "persona" chez Gustav Jung), venez-vous voir ou venez-vous pour être vus de façon socialement valorisante? Reviravolta pointe (de l'œil !) nos contradictions.

Gasediel propose un inventaire sur le VOIR et ÊTRE VU à travers des portraits au trait parfaitement dessiné, qui ne sont pas sans rappeler Jean-Auguste Dominique Ingres : « Le dessin est la probité de l’art. » A ce réalisme plastique vient se juxtaposer toute une poésie (l'œil de l'esprit !) graphique, Gasediel soulève combien cet art incarne aussi un "VISAGE", art de la personnification même de l'âme d'une ville.

Cette exposition priorise l'être sur l'avoir grâce à une lumineuse réflexion plastique sur le genre du portrait individuel et urbain. Ne cheminez plus les yeux (et l'esprit) bandés !

 Gaelle Pierson

LUIS MALUF ART GALLERY

* Metropolitan Museum of Art, NYC

Em Português

De acordo com um estudo do MET*, ficamos 17 segundos em frente à uma obra de arte. Qual tempo, vocês disponibilizariam a cada um dos 17 retratos de Reviravolta, a mais recente série da artista francesa Gasediel (1969 -)?

Qual será a sua percepção de alguns destes rostos que nos questionam, de outros que nos examinam por um olhar frontal, ou ainda que nos interpelam com a mão, sobre um fundo preto ou uma justaposição de arte urbana em "trompe l'œil"?

Cada rosto é anônimo, mas advém da publicidade ou da moda. O glamour que olha para vocês. Vocês, olhando para o glamour.

O olho é o único órgão que sabe que é observado. Essas pessoas "expostas" sabem que serão olhadas, mas ... quando? Seus olhos nunca se encontrarão com os seus, assim como, jamais cruzamos com o olhar dos Grafiteiros, só vemos os fragmentos de sua arte.

Milan Kundera enfatiza que "a solidão é uma doce ausência do olhar". Para alguns, essa solidão não teria um gosto amargo? Especialmente nessa época das redes sociais, selfies e egoretratos como dizem os Canadenses.

Tradicionalmente, o retrato revela a interioridade do ser. Os retratos de Gasediel suscitam uma dimensão especular, revelam o efeito de espelho. Aqui, na realidade, olhamos para cada rosto ou nos identificamos com eles? Reviravolta nos convida a ter um olhar sustentado e não uma projeção daquilo que gostaríamos de ver, ou ser, Cícero já nos avisou : "porque se o rosto é o espelho da alma, os olhos são os intérpretes”. 

Por exemplo, qual foi o seu tempo de (re)apresentação antes de vir à exposição Reviravolta? Vocês vieram como vocês mesmos ou terão usado uma máscara (conceito de "persona" de Gustav Jung) vocês vieram para ver ou serem vistos de uma maneira socialmente gratificante ?

Reviravolta aponta (do olho!) nossas contradições.

Gasediel propõe um inventário do VER e SER VISTO através das características do traço perfeitamente desenhado, que nos faz lembrar Jean-Auguste Dominique Ingres : "O desenho é a probidade da arte. " A este realismo plástico justapõe-se toda uma poesia (o olho da mente!) gráfica, Gasediel levanta o quanto essa arte urbana incorpora também um "ROSTO", arte da própria personificação da alma de uma cidade. 

Esta exposição privilegia o ser sobre o ter através de uma brilhante reflexão plástica no gênero do retrato individual e urbano. Não andem mais com os olhos (nem com esperíto) vendados!

Expression sans permission?

L’exposition de Gasediel vous met “Au pied du mur'“!

“Au pied du mur” car la série de 15 tableaux révèle des fragments de murs recréés par l’artiste française Gasediel. Sortis de leur contexte, ils vous obligent à faire pause sur cette esthétique de la rue. Gasediel a recomposé des extraits urbains, Street Art hors rue (post graffiti). L’oeil, normalement trop furtif est ainsi condamné à scrupuleusement observer ces narratifs subtilement cadrés. Gasediel fait pointer le regard de l’adulte sur le “mur, refuge des interdits, (qui) donne la parole à tout ce qui sans lui serait condamné au silence” Brassai.

Si gasediel ne s’était pas approprié cette poétique esthétique, auriez-vous su la voir?

“Au pied du mur” aussi car, ce même adulte, a asphyxié sa capacité créatrice. Quête du résultat et jugement des tiers ont eu raison de sa spontanéité. Arthur Cavan prévenait pourtant dés 1914 : “Dans la rue, on ne verra bientôt plus que des artistes, et on aura toutes les peines du monde à y découvrir un homme”. Pour soulever une réflexion sur la persistance, chez l’adulte, du pouvoir créateur propre à l’enfance, Gasediel a associé, dans certains tableaux de cette série, une figure enfantine créatrice.

Jouant avec discernement de l’expression du, déjà cité, Brassai “le langage des murs”, Gasediel s’autorise une liberté de composition tout en s’imposant une seule technique. Pas de collage, décollage ou d’éléments volés à la rue, pas de recouvrement, de lacération d’affiches, d’incisions, de pochoirs…C’est via la peinture mais sur support texturé (couche de béton ou de ciment) que Gasediel rend l’essence de cette matière urbaine érodée par le temps.

Apporter de la permanence à cet art urbain si éphémère, créer un patrimoine graphique et calligraphique via des palimpsestes qui conservent la fougue du geste du Street Art, et cadrer avec acuité, chaque oeuvre (privé de son environnement urbain, le fragment permet au regard du spectateur de s’ouvrir, de sortir de la représentation),…l’art de Gasediel nous offre l’expérience esthétique d’une nouvelle dynamique de contemplation d’un art “A ciel ouvert”.

Gaelle Pierson

LUIS MALUF ART GALLERY

Em Português

Ao pé da parede

A série de 15 pinturas revela fragmentos de paredes recriados pela artista francesa Gasediel (1969 -). Fora de seu contexto, eles induzem o interlocutor a fazer uma "pausa" nessa estética da rua. Gasediel recompõe extratos urbanos e nós oferece uma nova visão do espaço urbano.

O olho, normalmente muito furtivo, é assim estimulado a observar escrupulosamente essas narrativas sutilmente enquadradas. Gasediel aponta o olhar do adulto para "O muro, refúgio proibido, [que] dá voz a tudo o que sem ele seria condenado ao silêncio" (Brassaï).

Se Gasediel não tivesse se apropriado dessa poética estética, você a teria visto?

"Au Pied du Mur" também porque, esse mesmo adulto, asfixiou sua capacidade criativa. A busca do resultado e julgamento dos terceiros estavam certos de sua espontaneidade. Arthur Cravan, no entanto, alertou desde 1914: "Na rua, logo veremos apenas artistas, e teremos todo o trabalho do mundo para descobrir um homem". Para levantar uma reflexão sobre a persistência, no adulto, do poder criativo próprio da infância, Gasediel associou, em algumas pinturas desta série, uma figura criativa infantil.

Brincando com discernimento da expressão do, já mencionado, Brassaï "A linguagem das paredes", Gasediel cria certa liberdade de composição - ao trazer elementos da rua - à medida que apresenta apenas uma única técnica: a pintura. Nenhuma colagem, descolagem ou elementos roubados na rua, nenhuma camada, laceração de pôsteres, incis&o tilde;es, stencils... É através da tinta, mas em um suporte texturizado (camada de concreto ou cimento) que Gasediel torna a essência desta matéria urbana corroída pelo tempo.

Trazer permanência a esta arte urbana efêmera, criar um patrimônio gráfico e caligráfico através de palimpsestos que preservam o ardor do gesto da Arte de Rua, e enquadrar cada obra de forma aguda (privado do seu meio urbano, o fragmento permite abrir os olhos do espectador, permite sair da representação)... O trabalho de Gasediel oferece a experiência estética de uma nova dinâmica de contemplação de uma arte "a céu aberto"!

Curadoria: Gaëlle Pierson

LUIS MALUF ART GALLERY

Selected works

The series #Gari consists of 17 paintings dedicated to garis, urban cleanliness agents whose name takes the name of the French Aleixo Gari first to have signed a contract of urban cleanliness with the city of Rio de Janeiro under the empire! Hasard or not, in 2017, it is also a French Gasediel who renders to the Garis a plastic homage of a great poetry. Profusely present and, paradoxically invisible, Garis are part of the urban landscape, urbanity dear to Gasediel that it treats in its magnitude (graffiti, pixacao, lambe-lambe, stickers, ...). The new and distinctive support used participates in this tribute: paper cotton kadhi coated with cement. Gasediel insists on the singularity of this paper, which allows him to come closer to the idea of he epidermis of the city, cotton incarnating precisely the traces of the city and its desquamation. In order to restore visibility to the Garis, Gasediel, however, treated them transparently. No face, no individuality, it is the universality that is aimed at. Gasediel highlights the Garis by associating the bright colors of their uniforms with the pixacao and remnants of posters revealing the gigantic tattoo but scaly of the "cidade cinza" of Sao Paulo 

Gaelle Pierson Sampa Escale

This work of dimension 78 x 56 cm is framed in a black matte set of dimension 105 x 75 x 6cm.

Em português

Varredor de rua, contratado para realizar a limpeza pública das cidades, numa visão geral e de significado simplista. Numa visão artística e sob o olhar panóptico da artista visual francesa Gasediel, esses profissionais tão importantes e necessários no cotidiano de todos, se tornam o motivo, o apontamento e o assunto tratado nessa série apresentada na exposição: #Gari.

Se em 1976, a palavra Gari estava relacionada ao sobrenome da primeira pessoa responsável pela limpeza pública do Rio de Janeiro (o francês Aleixo Gari), quatro décadas depois uma compatriota dele, atualiza, contextualiza e resignifica esse antropônimo numa relevante e pertinente homenagem. Em   forma de poesia visual, Gasediel sugere que voltemos nosso olhar para essas pessoas, que no cotidiano das cidades, quase sempre são invisíveis, subjugados e com sua presença que quase sempre acontece por sua ausência.

Questões como: existência, pertencimento, valores sociopolíticos, a importância do indivíduo para o coletivo, a cidadania e o respeito, podem ser observados nas composições da artista, que numa plasticidade poética e processual, aponta para o cinza da cidade como pano de fundo e contraponto para colorido de um povo, que aqui, de forma simbólica e magistral é representado na figura do gari.

Francisco Rosa

Selected works

In theater, the "fourth wall" denotes a screen that separates the interpreted scene from the public's eyes. In the exhibition, the city reveals itself to the spectator who assumes the role of voyeur, where nothing escapes, but nothing can interfere.

It is with this theme that Gasediel presents her set of 14 paintings that are rooted in the interventions in the walls of São Paulo. For her the walls exude the city, and the city writes on its walls.

Posters and graffiti, fictional characters and daydreams that take on a colorful and provocative exuberance, counteract the gray of the landscape of the "cidade cinza". This artist's look, almost romantic for the scriptures, takes the works to a personal homage, mixing fantasy and reality.

Routine messages such as "Compra-se our," "Mais amor por favor" and the unmistakable graffitis of Cranio, Ozi, Mauro are present in the pieces as inevitable urban details, making each picture unique and also familiar.

Another Brazilian icon present in the works is the character Mônica, by Maurício de Souza who adds lightness to her stroller gaze through the streets of the city.

Her coating technique remains in this new exhibit, which confers the surface of the paintings similar to the walls of the city, mixed with overlays such as acrylic paint, spray, oil and glue.

Her interpretation is singular, and at the same time crude, living, and human.

Em portugues

No teatro, a quarta parede denota uma tela que separa a cena interpretada dos olhos do público. Na mostra, a cidade se revela ao espectador que assume o papel de voyeur, onde nada escapa, mas em nada pode interferir.

É com esta temática que Gasediel apresenta seu conjunto de 14 pinturas que estão enraizadas com as intervenções nos muros de São Paulo. Para ela as paredes exalam a cidade, e a cidade escreve em suas paredes.

Cartazes e grafites, caracteres fictícios e devaneadores que assumem uma exuberância colorida e provocativa, fazem contraponto com o cinza da paisagem da CIDADE CINZA. Este olhar da artista, quase romântico para as escrituras, levam as obras para uma homenagem pessoal, misturando fantasia e realidade.

Mensagens rotineiras como “Compra-se Ouro”, “Mais Amor Por Favor”, e os inconfundíveis desenhos de Cranio, Ozi, Mauro e Gêmeos estão presentes nas peças como detalhes urbanos inevitáveis, fazendo de cada um dos quadros único e também familiar.

Outro ícone brasileiro presente nas obras é a personagem Mônica, de Maurício de Souza que soma leveza ao seu olhar andarilho pelas ruas da cidade.

Sua técnica de massa corrida permanece nesta nova exposição, o que confere a superfície dos quadros a semelhança com as paredes da cidade, misturada a sobreposições como pintura acrílica, spray, óleo e colagem. 

Sua interpretação é singular, e ao mesmo tempo crua, viva e humana.

Selected works

By meaning, Nó means tight tie but also bond, bond, essential point and difficil, embarrassment.

In the first person plural, "we" means collectivity.

The Frenchwoman Gasediel, in her fifth solo exhibition presents children and adolescents facing their own uncertainty. The delicate features of the artist show the protagonist as a being in full transformation. Stimulating this interest of consciousness, each canvas of coating, oil and acrylic has a unique and different meaning.

Ties unite us with our anguish and affective relationships.

The bonds that give us security and strengthen us are also the ties that suffocate us.

From an early age, we are faced with existential issues, and more than letting oneself be carried away by memories or imagination, in the course of time they evolve, gaining the maturity that allows growth and makes us move on.

According to the philosopher Jean Paul Sartre, "in the human case (and only in the human case) existence precedes the essence, for man first exists, then defines himself, while all other things are what they are, without being defined, and so without having an "essence" that happens to "existence".

It is not a Manichaean vision, delirium or dreamy dream. The art of Gasediel is an expression of emotion, sensitivity and reflection.

Nelson Schiesari 2015

Em português

Por acepçao, "Nó" significa laço apertado mas tambem ligação, vinculo, ponto essencial e difficil, embaraço.
Na primeira pessoa do plural, "nós" siginfica coletividade.

A francesa Gasediel, em sua quinta exposiçao individual apresenta crianças e adolescentes se deparando com a propria incerteza. Os traços delicados da artista mostram a protagonista como um ser em plena transformaçao. 
Estimulando esse interesse de consciencia, cada tela de massa corrida, oleo e acrilico possui um significado unico e diferente.

Laços nos unem as nossas angustias e relaçoes afetivas.

Os laços que nos dão segurança e nos fortalecem são tambem os laços que nos sufocam.

Desde cedo nos deparamos com questoes existenciais, e mais do se deixar levar pelas lembraças ou pela imaginaçao, no decorrer do tempo vão evoluindo, adquirindo a maturidade que possibilita crescimento e nos faz seguir adiante.
Segundo o filosofo Jean Paul Sartre "no caso humano (e só no caso humano) a existencia precede a essencia, pois o homem primeiro existe, depois se define, enquanto todas as outras coisas são o que são, sem se definir, e por isso sem ter uma "essencia" que suceda à "existencia".
Não se trata de visão maniqueista, delirio ou devaneio onirico. A arte de Gasediel é expressão de emoção, sensibilidade e reflexão.

Nelson Schiesari 2015

Selected works

The exhibition DEsloc'art takes place almost two centuries after the arrival of the French Mission in Brazil, in which the painter and draftsman Jean-Baptiste Debret (1768-1848) portrayed the Indians and their daily life in the colonial period. In one of his works, Debret portrays Indians walking quietly along a bucolic street Rua Santa Ifigênia of the nineteenth century. On the other hand, the Indians of Gasediel appear in urban scenes such as abandoned sheds of Brás, in the galleries of the sewage system and in other landscapes of the capital of São Paulo.

The Indians of Gasediel are portrayed drawn by computers, sneakers, and other items of the consumer society, which come mixed with scenes of degradation with fuel brass, oxygen masks, acid rain, and dead flowers and birds. As backdrop of the canvases, there is interference from Paulistanos graffiti and manifestations of street art, which, as Gasediel likes to say, "are hidden treasures" that she finds in the city and recreates in her paintings.

That is, far removed from the almost idyllic vision of the French compatriot in the past, the paintings of Gasediel reveal a mixture of sadness and strangeness with the situation of the indigenous peoples of Brazil today. 

As usual in the works of Gasediel, the urban atmosphere portrayed makes connection with the universe of graffiti, a trademark of the French artist. Altogether there are ten works, in which the artist uses coating (which recreates the effect of the walls of the city), in addition to oil and acrylic, spray and pastel.

Bia Marques 2013

Em português

A mostra DEsloc'art acontece quase dois séculos após a chegada da Missão Francesa no Brasil, na qual o pintor e desenhista Jean-Baptiste Debret (1768-1848) retratou os índios e seu cotidiano no período colonial. Em uma das suas obras, Debret retrata índios caminhando calmamente por uma bucólica Rua Santa Ifigênia do século dezenove. Em contrapartida, os índios de Gasediel surgem em cenas urbanas tais como galpões abandonados do Brás, nas galerias do sistema de esgoto e em outras paisagens da capital paulistana. Os índios de Gasediel são retratados atraídos por computadores, tênis e demais itens da sociedade de consumo, que surgem misturados a cenas de degradação com latões de combustível, máscaras de oxigênio, chuva ácida, além de flores e pássaros mortos. Como pano de fundo das telas, há interferências de grafites paulistanos e manifestações de arte de rua, que, como Gasediel gosta de dizer, “são tesouros escondidos” que ela encontra pela cidade e recria em seus quadros.

Ou seja, muito distantes da visão quase que idílica do conterrâneo francês no passado, as telas de Gasediel revelam um misto de tristeza e estranhamento com a situação dos povos indígenas do Brasil atual. 

Como de costume nas obras de Gasediel, a atmosfera urbana retratada faz conexão com o universo do grafite, marca registrada da francesa.

Ao todo são dez obras, nas quais a artista utiliza massa corrida (que recria o efeito dos muros da cidade), além de óleo e acrílico.

Bia Marques 2013

Selected works

the DESVI'ART exhibition by the French artist Gasediel reinterprets some of the most famous paintings of all time, including universal works such as Delacroix's "Freedom Guiding the People" and Manet's "Lunch on Grass", among others.

However, in her versions, the artist proposes a new order for the screens, bringing the characters and classic elements to an urban atmosphere, which connects with the universe of graphite, a trademark of the work of Gasediel.

Altogether there are ten works, in which the artist uses coating, oil, acrylic and spray on canvas. 

DESVI'ART entertains and entices its audience, who recognizes the great masters of painting mixed with modern and provocative icons of Sao Paulo street art, such as Ozi's pig and misses and Zezão's arabesques. There is also the vibrant color of the Batman Alley in Vila Madalena, considered the main reference of the graphite movement in São Paulo. The place appears as the scene of the "Olympia" painting, demonstrating that the old and the new can survive together and create memorable encounters.

And nothing is random. Each composition has a why. "I did a deep study of the history of each painting and from the understanding of the intentions of the author, I present my re-reading," says Gasediel. "I question intransigent and chaotic aspects, typical of the urban sphere," he concludes.

In the case of the "Odalisca", made from the original Ingres - painter who idealized the female nude - one of Zezão 's intense blue arabesques appears as a "tattoo" on the back of the central character of the painting. Not surprisingly, the sinuous design descends from the top of the back to the anus of the odalisque, as an allusion to the sewage galleries of the São Paulo scenery where the graffiti artist usually paints his works. How could it not be, the rereading of the artist is provocative and nothing idealized.

Already in "The Birth of Venus", the artist portrays herself at the center of determining elements of her life.

Bia Marques 2012

Em português

a mostra DESVI’ART da francesa Gasediel reinterpreta alguns dos quadros mais famosos de todos os tempos, entre eles obras universais como “A liberdade guiando o povo”, de Delacroix, e ainda, “O almoço na grama”, de Manet entre outros. Porém, em suas versões, a artista propõe uma nova ordem para as telas, trazendo os personagens e elementos clássicos para uma atmosfera urbana, que faz conexão com o universo do grafite, marca registrada do trabalho de Gasediel. Ao todo são dez obras, nas quais a artista utiliza óleo, acrílico e spray.

DESVI’ART diverte e seduz seu público, que reconhece os grandes mestres da pintura mixados com ícones modernos e provocativos da arte de rua de São Paulo, como o porco e as misses de Ozi e, ainda, os arabescos de Zezão. Também está lá o colorido vibrante do Beco do Batman, na Vila Madalena, considerada a principal referência do movimento do grafite em São Paulo. O lugar surge como cenário do quadro “Olympia”, demonstrando que o antigo e o novo podem sobreviver juntos e criar encontros memoráveis.

E nada é aleatório. Cada composição tem um por quê.  “Fiz um estudo profundo da história de cada quadro e a partir da compreensão das intenções do autor, apresento minha releitura”, afirma Gasediel. “Coloco em questão aspectos intransigentes e caóticos, típicos da esfera urbana”, finaliza.

No caso da “Odalisca”, realizada a partir do original de Ingres -- pintor que idealizou o nu feminino --, um dos arabescos em azul intenso de Zezão aparece como uma “tatuagem” nas costas da personagem central do quadro. Não por acaso, o desenho sinuoso desce do alto das costas até o ânus da odalisca, como uma alusão às galerias de esgoto do cenário paulistano onde o grafiteiro costuma pintar suas obras. Como não poderia deixar de ser, a releitura da artista é provocativa e nada idealizada.

Já em “O nascimento de Vênus”, a artista retrata a si mesma no centro de elementos determinantes de sua vida. 

Bia Marques 2012